Rabin Huissen est un artiste conceptuel basé à Rotterdam, aux Pays-Bas. Le 18 décembre, son exposition A Thinnest Thin a été inaugurée à Het Gebouw à Utrecht avec Reinier Vrancken. L’Atelier Néerlandais s’est entretenu avec lui.
Votre exposition A Thinnest Thin a ouvert le 18 décembre, que pouvez-vous nous dire à son sujet ?
L’artiste Reinier Vrancken et moi exposons ensemble à Het Gebouw depuis le tout début, stanley brouwn. Notre exposition est le résultat d’échanges entre nous, artistes, et d’un dialogue avec Het Gebouw, qui est à la fois sculpture et architecture. Elle a été réalisée en 2005, dans le cadre de la manifestation artistique Beyond Leidsche Rijn. À l’époque, la zone environnante n’était encore qu’une butte herbeuse non aménagée, mais entre-temps, la ville s’est développée de plus en plus. Le bâtiment est constitué de deux modules oblongs superposés. Elles sont basées sur l’unité de mesure propre à Stanley Brouwn, le pied en bois, qu’il utilisait pour créer et présenter ses œuvres. Cette exposition est une expérience à l’intersection des pratiques d’art visuel de Vrancken et de moi-même, avec Het Gebouw, le public, l’environnement et stanley brouwn. Les œuvres d’art de Vrancken et de moi-même, tant au niveau de l’idée que du matériel, peuvent être vues dans le bâtiment et autour de celui-ci, à la recherche d’un équilibre et d’un contact les uns avec les autres. Une concentration intime, attentive, parfois poétique, est évidente dans leurs travaux respectifs. Tous deux partent d’une idée, d’une recherche de formes et d’actions, aboutissant parfois à un objet d’art, parfois à une performance, ou parfois même à l’invisibilité.
Nous avons travaillé sur l’exposition pendant un an. Je présente moi-même 7 œuvres de dialogue qui traitent de.. : Le bâtiment, les environs, le public, Vrancken, stanely brouwn et moi-même. Pendant la période d’exposition, j’utiliserai Het Gebouw comme lieu de travail pour développer de nouvelles œuvres. Le dernier jour de l’exposition, toutes les œuvres seront exposées.
Comment travaillez-vous ?
Mes œuvres sont le résultat de rituels méticuleux, suivant un scénario avec des instructions que j’établis pour moi-même et pour les autres, afin de suivre des mouvements dans le temps. Les scénarios fonctionnent comme un cadre à un niveau structurel, où je suis l’initiateur et souvent l' »interprète », mais où j’invite également les autres à participer. Ce sont les ingrédients de mon travail : le scénario qui met en place une situation, le contact humain et les conditions naturelles qui rendent l’expérience possible. Un large éventail de résultats apparaît, allant de photogrammes à l’échelle humaine, de lettres et de cartes postales que j’échange avec d’autres, de séries de photographies et d’objets sculpturaux.
Mes œuvres émergent d’une base conceptuelle, très précise dans la définition de mes propres paramètres et aussi en termes de matériau et de composition – chaque partie de l’œuvre étant conçue et réalisée par moi-même – ce qui les rend très uniques. Mais elles sont aussi très physiques et organiques, cartographiant des sentiments intérieurs et révélant des réactions physiques à travers un écho d’abstractions. Mon travail est basé sur l’idée que les faits ne sont pas intéressants en soi, ils n’ont de sens que lorsqu’ils sont médiatisés par des personnes et avec l’intervention de conditions externes, qui les font naître de leur potentialité.
Depuis quand avez-vous réalisé que vous vouliez devenir un artiste (conceptuel) ?
Au début de ma vie, j’ai développé une forte fascination pour les voyages. Je pense que tout a commencé à ce moment-là.
Avec mon père, je voyageais souvent en train de Rotterdam à La Haye où vivaient mes grands-parents. En tant que petit garçon, cela m’intriguait déjà. C’était cette sensation d’être dans le train, tout en restant assis sur le canapé et en regardant par la fenêtre. C’était comme un voyage dans le temps, comme une machine à remonter le temps dans les films de science-fiction où un personnage est transporté dans un autre endroit en quelques secondes. Cela me fascine toujours. Lorsque je voyageais, je voulais savoir exactement où je me trouvais à ce moment-là. J’ai donc commencé à chercher des points de repère afin de m’y retrouver pendant le trajet de A à B avec mon père.
C’est au cours de cette période que j’ai développé ma fascination pour le temps, le mouvement, les repères et les souvenirs. À l’époque, je ne comprenais pas ce qu’était l’art conceptuel, mais je savais que j’étais intéressé par les voyages. Quelque chose qui m’a manqué quand mon grand-père est mort et que ma grand-mère a déménagé à Rotterdam. À l’école primaire, l’un de mes professeurs a conseillé à mes parents de m’envoyer dans une école secondaire axée principalement sur les techniques graphiques. Les cours de dessin faisaient également partie de ce système d’apprentissage. Une chose que j’ai également aimée et à laquelle je me suis intéressée est de faire des collages et de réfléchir à des concepts avant de dessiner quoi que ce soit. Parfois, je ne dessinais rien, car cette idée me suffisait. C’est là que tout a commencé pour moi.
Comment donnez-vous forme à votre art conceptuel ?
Je capture ma présence dans des photogrammes. Il est important de savoir où je me trouve exactement, et quel geste je capture dans le temps d’enregistrement, qui a une certaine durée, et qui influence l’image finale. Le photogramme est une première forme de photographie, qui permet de réaliser un enregistrement sur un papier sensible à la lumière. Ces enregistrements sont des performances dans lesquelles le geste, le temps et le lieu s’enchaînent. Cela peut prendre quelques minutes, un laps de temps pendant lequel des influences spontanées peuvent influencer l’image : l’intensité de la lumière, le climat, les grains de sable qui soufflent sur le papier, le corps ou le degré d’immobilité de moi-même. Comme un rituel, je lave la photo avec un liquide de l’environnement, parfois de l’eau, parfois du soda. Différentes couches de couleur et de pigment suivent, chaque couleur faisant référence à un jour de la semaine où j’ai pris la photo. Le contact des doigts, de la main ou du pied avec le papier, le contact avec le papier sur place, sont des moyens d’enregistrer les traces d’une action, de ma propre présence. J’ai réalisé une série de nouvelles œuvres spécialement pour A Thinnest Thin.
Comment êtes-vous entré en contact avec l’Atelier Néerlandais, et avez-vous des projets à venir à Paris ?
J’ai pris contact avec l’Atelier Néerlandais il y a six ans par l’intermédiaire de la créatrice de mode Barbara Munsel. Barbara a invité le collectif de mode Corsage-Studio à participer à une présentation de groupe à l’Atelier. Ce collectif est composé de Robert Stroomberg (artiste vidéo) et de moi-même. Deux artistes visuels des Pays-Bas qui conçoivent et créent des vêtements et des installations artistiques. Au sein du collectif, je participe à l’élaboration de concepts, à la conception de textiles et de vêtements. Pendant la semaine de la mode, nous nous sommes présentés à l’Atelier à Paris pour la première fois. Le public était enthousiaste et ce fut un grand succès.
En ce moment, j’ai une grande collaboration avec le label de mode Acne-Studios de Suède. Acne m’a demandé de développer une série de photogrammes pour leur collection printemps/été 2022 pour hommes. Il est devenu une série d’œuvres d’art colorées imprimées sur différents vêtements. Des t-shirts, des jeans, des pulls et des vestes, de très petits imprimés aux all-over. Cette collection sera dans les boutiques Acne-Studios à Paris en janvier/février et dans diverses boutiques à travers le monde. C’est une collaboration très agréable dans laquelle on me donne l’espace nécessaire pour me montrer en tant qu’artiste conceptuel et ce que je sais faire, c’est-à-dire concevoir et développer un art dans lequel le corps, le temps, le lieu et l’action se rencontrent.
Mon prochain rêve est d’être un « artiste en résidence » à la maison van Doesburg à Meudon, près de Paris. Je me sens très proche de Theo van Doesburg. C’est surtout sa précision et ses intérêts pour diverses formes d’art telles que les arts visuels, le design, l’architecture, la littérature et les arts du spectacle qui m’intéressent. Tout est en relation les uns avec les autres.
La maison van Doesburg à Meudon a tout pour plaire. Une œuvre d’art en trois dimensions ! J’aimerais explorer les points communs entre nos pratiques, mais aussi nos différences. Dans ma pratique, la présence ou la trace est essentielle. Les résultats sont très diversifiés : photogrammes à l’échelle humaine, lettres et cartes postales que j’échange avec d’autres, séries de photographies et objets sculpturaux.